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ヒストリカルクラシックのブログ

私の好きなクラシック音楽 その16

グリーグ ピアノ協奏曲イ短調 作品16

北欧音楽の偉大なる父 グリーグ

 エドワルド・グリーグEdvard Grieg(1843-1907)は、北欧、ノルウェーを代表する、国民楽派の作曲家です。ピアノが得意であった彼は、ピアニストとしても活躍しました。彼の母親は、モーツアルトウェーバーショパンを得意としたピアノの名手でもあり、彼女の影響も大きなものがあったと思われます。

 グリーグの生きた時代、ノルウェーは事実上、スウェーデン支配下にあり、ノルウェーが正式に独立するのはグリーグの晩年のことです。そういう意味では、グリーグノルウェーのみならぬ、北欧を代表する作曲家であると言えるでしょう。

 彼の代表作には、生涯にわたって書き続けられた、ピアノの小曲集である『抒情小曲集』(第1集~10集)や、ピアノ協奏曲イ短調、詩人ヘンリク・イプセンの依頼による詩劇『ペール・ギュント』、ノルウェー人でグリーグの同郷の偉大な作家「デンマーク文学の父」と呼ばれたホルベアの生誕200周年の記念祭に寄せた組曲『ホルベアの時代』、3曲のヴァイオリン・ソナタ、『君を愛す』や『春』などの数々の歌曲など、今日でもよく知られた素晴らしい作品が並びます。

 1843年、ノルウェーのベルゲンで生まれたグリーグがピアノの手ほどきを受けたのは5歳のことです。初めは母による指導でした。15歳でライプツィヒ音楽院に進み、卒業後、故郷でピアニストとして本格的にデビューを飾りました。作曲家としては、27歳の時に、イタリアにてリストの賞賛と激励を受けることになります。これは、今回とりあげるピアノ協奏曲イ短調などの作品をリストが高く評価してのことでした。ワーグナーの音楽に触れ、ブラームスと親交を深め、グリーグは音楽界で確実な地位を築いていきます。1885年からは、ベルゲン近郊のトロルハウゲンに終の棲家を構え、自然に囲まれたこの素敵な家で創作活動にはげみました。生涯、作曲と演奏活動をつづけた彼は、活動のさなか、1907年、ベルゲンにて64歳の生涯を終えました。

ピアノ協奏曲イ短調 作品16

 ピアノ協奏曲イ短調は、作品16という、とても若い作品番号がついています。実際、作曲されたのはグリーグ25歳のときです。今、このピアノ協奏曲の演奏を聴くと、若書きの作品としてはとても完成度が高いことに驚くと思います。しかし、これには訳があり、グリーグはこの作品を生涯にわたり、改訂し続けたのです。死の直前まで、400ケ所にもわたる改訂が行われました。

 初稿との違いは明らかです。まず、全体的に、余計なものがそぎ落とされて、洗練されていったことが分かります。一方で、書き加えられたところもあります。すぐにわかる大きな変化では、初稿では第一楽章の第二主題がトランペットで提示されます。そして第二楽章のホルンが初稿とは違います。※1

 もちろん、初稿の時点でも、きわめてすぐれた作品に仕上がっています。色彩豊かで、ロシア国民楽派を思わせます。どちらか言うと、初稿の方が最終稿をアレンジしたもののように聴こえるのは、それほど最終稿が優れているからだと思います。グリーグの他にも、改訂を好んだ作曲家はたくさんいますが、グリーグほど改訂の成功した例はないのではないでしょうか。まさに、このピアノ協奏曲イ短調は、グリーグの生涯をかけた作品であると言えるのではないかと思います。

 第一楽章はティンパニに続いてすぐにピアノ独奏が表れるドラマテックな始まり方をします。曲全体がとても美しい旋律にあふれていますが、第二楽章の主題はとりわけ甘美です。やわらかな弦に、粒立ちの良い、固く、しかし繊細なピアノが美しいです。第三楽章は極めて華麗で、クライマックスとしてとても優れたものです。結びは、初稿と最終稿との違いが大きく、初稿はまるでブルックナーのような響きで終わります。おそらくワーグナーの影響だろうと、作曲時点での影響関係がうかがわれ、とても興味深いです。

お薦めの演奏

エヴァ・クナルダールEva Knardahl(ピアノ)テリエ・ミケルセン指揮 リトアニア国立交響楽団 盤 1993 SIMAX

 ノルウェーの誇る名女流ピアニスト、エヴァ・クナルダール(1927-2006)による演奏。クナルダールはグリーグをたくさん演奏していますが、お国ものでもあり、とても素敵な演奏をします。演奏に当たって必要な緊張感があるというか、人柄の現れるような、北欧ならではの温かみのある演奏ですが、けっしてなよなよとしたものではありません。このSIMAXの音源は、三種類あるうちの3つ目の演奏です。オーケストラは若々しく、聴いていて、とても心地の良い、本場の演奏だと思います。

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クナルダール ミケルセン 盤

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クナルダール ミケルセン 盤

②ヤン・パネンカJan Panenka(ピアノ)ヴァーツラフ・ノイマン指揮 プラハ交響楽団 盤 1957 SUPRAPHON

 パネンカ(1922-99)はチェコを代表するピアニストの一人です。チェコには、マキシアーンなどの次の世代になりますが、パネンカ、パーレニチェク、フィルクスニーという3人の偉大なピアニストがいました。この3人のピアニストの面白いところは、それぞれ、ロシアのニコラ―エフ、フランスのコルトー、ドイツのシュナーベルという、各国を代表するピアノ教師に師事していたところです。この3人の演奏を聴くと、それぞれの長所がよくわかり、興味深いものがあります。

 パネンカはその中でも、とてもユニークな存在です。小学校の教師からピアニストになったという異色の経歴を持ちます。タッチが硬質で粒立ちよく、清潔で、まるで野に咲く白い、あるいは薄ピンクの花を思わせる可憐なピアノです。グリーグにもぴったりのキャラクターです。カーゾンやカッチェンにもひけをとらない、正攻法の素晴らしい名演です。

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パネンカ ノイマン 盤

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パネンカ ノイマン 盤

③ユーリ・ムラヴィヨフYuri Mouravlev(ピアノ)カール・エリアスブルク指揮 ロシア国立交響楽団 盤 1950 RCD

 グリーグはロシアにて、非常に人気がありました。チャイコフスキーも賞賛していますし、またピアニスト、アントン・ルビンシュテインはこのピアノ協奏曲を高く評価していました。ムラヴィヨフ(1927-?)は、ロシア・ピアニズムを代表するピアニストの一人です。ゲンリヒ・ネイガウスの弟子であり、レパートリーはベートーヴェンモーツアルトの古典から、シューマン、リスト、ショパングリーグといったロマン派、あるいは同時代の作品にまで及びました。しかし、ロシアで「ピアノの詩人」の異名をもつ彼の本領があらわれるのは、やはりグリーグなどのロマン派の作品においてでしょう。このグリーグのピアノ協奏曲も、出色の演奏です。少しほの暗く、張り詰めたところがあります。また、ムラヴィヨフに関しては、グリーグの『ホルベアの時代』についても特記しておきたいと思います。原典であるピアノ版の組曲ですが、とても素晴らしいので、是非、一度聴いてみていただきたいです。

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ムラヴィヨフ エリアスブルク 盤

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ムラヴィヨフ エリアスブルク 盤

④ロべ・デルビンエルLove Derwinger(ピアノ)広上淳一指揮 ノールショピン交響楽団 盤 1993 BIS

 グリーグのピアノ協奏曲イ短調の初稿(1868/72)の演奏です。最終稿との比較がとても面白かったです。ただ、欲を言えば、この同じ顔触れでの最終稿の演奏もレコーディングしておいてほしかったです。

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デルビンエル 広上 盤

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デルビンエル 広上 盤

まとめ

 グリーグは、ちいさなカエルの小物や、ぬいぐるみなど、ちいさくて可愛いものを好んだといいます。今回とりあげたピアノ協奏曲はとても規模の大きな大作ですが、グリーグは小さな曲の中に、独自の世界を表すのが得意な作曲家でした。『抒情小曲集』や歌曲の数々はその最たるものです。そして、グリーグは、北欧の、彼に続く作曲家へ、とても大きな影響を及ぼした作曲家でもありました。以前、当ブログでとりあげたベリエルのミニチュアリスト的な性格も、グリーグの存在なしにはあり得なかったことでしょう。

 ちいさなものへの愛。それは、ささやかなもの、ちいさな部分を大切にする姿勢にもつながり得ます。今やクラシック音楽を代表する曲の一つである偉大なピアノ協奏曲イ短調は、グリーグの繊細な感性で、細部までリファインされた、たぐいまれなる名曲です。祖国のフィヨルドや、野に咲く小さな花々が、グリーグの人生とともにこの曲を育てました。大自然への畏怖と、春のめぐみへの憧憬と、そしてちいさきものへの愛、それらが入り混じったような感情が、この曲を聴くと湧き上がってくるのです。

 

※1訂正とお詫び

本文、ピアノ協奏曲イ短調作品16の解説の部分で、初稿に無いと書きました、第三楽章第436小節目のピアノの駆け上がりですが、実際には、有りました。この個所について削除いたします。不注意で事実と異なる記述をしましたこと、ここにお詫び申し上げます。2020.6.27

 

私の好きなクラシック音楽 その15

ウェーバー ピアノ・ソナタ4ホ短調 作品70

早逝の天才作曲家ウェーバー

 カール・マリア・フリードリヒ・エルンスト・フォン・ウェーバーCarl Maria Friedrich Ernst von Weber1786-1826)はドイツの大作曲家の一人です。オペラ『魔弾の射手』で有名な作曲家ですが、その才能にかかわらず、やや過小評価されている印象があります。特定の曲以外、演奏される機会がとても少ないのです。『魔弾の射手』序曲と他数曲以外に、なにかイメージをもたれている方は少ないのではないでしょうか。ピアニストでもあったウェーバーは美しいピアノ協奏曲曲や、ピアノ・ソナタ4曲残したほか、2曲の交響曲、多数のオペラなども作曲した重要な作曲家です。指揮者としては、初めて指揮棒を用いたひとでもありました。

 ウェーバーの生きた時代、1786年から1826年というのは、フランス革命の前夜から、ウィーン体制のさなかにあたります。ベートーヴェン1770年生まれで1827年に亡くなっていますから、ベートーヴェン16歳年下、その死の一年前に亡くなっている、つまりその生涯はベートーヴェンの生きた時代にすっぽりと収まっていることになります。ウェーバーの生涯は39年の短いものでした。結核を患っていたのです。

 その作風は独特で歌に満ち、初期の古典的作風から、ロマン派的な作風に移ってゆき、後のワーグナーへ大きな影響を与えました。シューマンブラームスとはまた違う、もうひとつの大きな流れをつくった作曲家だったのです。彼の曲に多く見られるワーグナー的な要素が、ある意味、ウェーバーに原石的な魅力を感じさせます。

 最晩年には、家族を養うため、結核をおして、ロンドンへ移ります。「私はロンドンへ死にに行くのだ」と語ったと言います。ウェーバーの曲を聴いていると、このような才能あふれる作曲家が早く亡くなってしまったことが残念でなりません。

ピアノ・ソナタ4ホ短調 作品70

 今回、とりあげるピアノ・ソナタ4ホ短調は、ウェーバーの作品の中でも後期の作品です。初期作品ではモーツアルト的ともいえそうな、古典派の性格が色濃い作品を作曲したウェーバーですが、ピアノ・ソナタ4番では、ロマン派的な色合いが強く感じられます。ベートーヴェンの後期のソナタと比べても、ひけをとらない大傑作だと私は思っています。

 作品の特徴は、何といってもそのメロディーの美しさです。そして清潔さをあげることができます。リストやワーグナーへの影響の大きさが分かりますが、ワーグナーのようなおどろおどろしさがなく、リストよりも更に清潔感があります。早逝の作曲家らしく、才能を処世術とすり替えなかった、純粋さを持ち合わせているようです。

 4楽章からなるこの曲は、基本的には緩急緩急の構成をもっていますが、それはかなり自由です。とても美しい緩やかなメロディーと、得意のアレグロが、まるで上品で色彩豊かな反物のようにこの曲を織り上げていきます。第一楽章の激しさの中に見られるロマンチックなメロディーや、第三楽章の可愛らしさを感じる冒頭からのメロディーと後半のドラマチックな盛り上がり。ウェーバーがいかに個性的で、才能豊かな作曲家であったかは、この曲を聴けばすぐにわかると思います。彼特有の歌のもつニュアンスに、ずっと聴き惚れてしまいます。

お薦めの演奏

レオン・フライシャーLeon Fleisher(ピアノ)盤 1959 PHILIPS

 アメリカ合衆国のピアニスト、フライシャー(1928-)はドイツの名教師、アルチュール・シュナーベルの門下です。フランスのコルトー、ロシアの4大教師に並ぶ、影響力の大きなピアノ教師と言えば、ドイツのシュナーベルだと思います。彼の門下には、他にカーゾン、フィルクスニー、ライグラフなどがいますが、フライシャーを含めて、レパートリーや演奏法に、先生の影響がすなおに表れているところがシュナーベル門下の特徴だと思います。つまり、非常に自然で、誇張の少ない、玄人の好みそうな演奏なのです。

 このフライシャーの演奏は、とても禁欲的で自然です。変わったことはしていないのに、詩情と歌にあふれています。ベートーヴェンを得意としたピアニストですが、この曲に対しても、ベートーヴェン的なアプローチをしているように思います。きっとフライシャーの愛奏曲だったのではないでしょうか。他にあまり演奏がないような曲であることが不思議ですが、フライシャー盤があれば十分だと思わせる演奏です。今回のお薦めは、この一枚です。

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フライシャー盤

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フライシャー盤

リヒテルのピアノ・ソナタ3ニ短調 作品49

 ロシアの大ピアニスト、スヴャトスラフ・リヒテルウェーバーのピアノ・ソナタ3番を愛奏曲としていました。ロシアの4大教師の一人、ゲンリヒ・ネイガウスの弟子ですが、とても個性的な演奏をするピアニストです。ドイツものも得意とし、このウェーバーの第3番には、シューベルト的なアプローチをしているように感じます。この第3ピアノ・ソナタの演奏も素晴らしいので、記しておこうと思います。

まとめ

 39歳という若さで亡くなった、才能あふれる作曲家、ウェーバー。その作品には早逝の人ならではの純粋さを感じとることができます。39歳で亡くなったといえば、もう一人、ショパンが挙げられます。ショパン結核がもとで亡くなりました。この二人の作曲家、とても個性的であるところが似ていると思います。

 個性的であるということはとても大事なことです。古典派の時代にあって、モーツアルトともベートーヴェンとも異なる作風で作品をつくり、その魅力や完成度では、彼らに全く劣らないウェーバー音楽史でも重要な作曲家として挙げられるにもかかわらず、一部の曲しかとりあげられないことが多く、残念です。実は、私も、長らくその魅力に気がつきませんでした。もし、一度、試してみようと思われる方がいらっしゃいましたら、初めの一歩に、フライシャーのピアノ・ソナタ4番をお薦めします。目から鱗、きっとウェーバーの魅力を再確認することができると思います。

 

私とオーディオ その4

お薦めブックシェルフ・スピーカー3

 今回は趣向を変えて、お薦めできるブックシェルフ型スピーカーを3台、ご紹介しようかと思います。皆さまがオーディオ機器を購入される際の参考に、少しでもなりましたら幸いです。なお、このレビューは私の主観に基づくものであることをご了承ください。最終的な選択は皆さま自身のご判断でお願いいたします。

 さて、今回、ご紹介しますのは、現行品で、新品でも手に入る、ブックシェルフ型のスピーカーです。ブックシェルフ型というのは、「本棚にも置けるような」比較的小型のスピーカーのことです。日本の家屋事情を考えると、小型の方がスペースファクターが良いだろうと思いました。今回ご紹介するのは2ウェイで、ウーファー口径が11.5センチから14センチのものです。一般的に、口径が大きいほど、低音がよく出るということになります。3つ全てパッシブ型ですので、鳴らすには最低、オーディオ・アンプが別途必要になります。

 それでは、お薦めのスピーカーを紹介いたします。

 ①Vienna Acoustics Haydn jubilee

 ウィーン・アコースティクスオーストリアのスピーカー専業メーカーです。音楽の都、ウィーンのメーカーらしく、その製品には、ベートーヴェンモーツアルトハイドンなどの名が冠されています。このHaydn jubileeハイドンジュビリー)はウィーン・アコースティクス創立30周年を記念してつくられた限定モデルです。メーカーによると、製造費など以外、利益分は価格に乗せていないとのことです。実際、レギュラーモデルである、Haydn Grand Symphony Editionよりもかなり安く価格設定されています。ですが、スパイダーコーンや、ツイーターのすぐ後ろにフロント・バスレフポートが設けられている構造など、特徴的な技術が採用されておらず、やや簡素な造りとなっています。しかし、このシンプルな構造が、かえってこのスピーカーの長所となっていると思うのです。

 1990年代半ばに、BWから戦略的モデル、CDM1が発売され、大ヒットしましたが、その時に、ウィーン・アコースティクスS-1というブックシェルフ型スピーカーを発売し、その牙城の一角を崩しました。とても甘くバランスの良い音質に、多くのファンを獲得した、名機でした。このS-1と、Haydn jubileeを比べると、その外見がとても似ていることに気づくと思います。S-1はローズウッドの突板仕上げで、Haydn jubileeはピアノ・ブラック仕上げという違いはありますが、大きさやデザイン、ウーファーの口径(14㎝)、製造メーカーは違いますがシルクドームのツイーター、V字のエンブレムなど、とても良く似ているのです。Haydn jubileeS-1の現代の復刻版と言えるのではないでしょうか。当時のS-1の音をはっきりとは覚えていませんが、Haydn jubileeはとても甘い音がします。そして、質が非常に高いです。箱がいいのか、響きがとても美しく、また低音がよく出ます。私は、レギュラーモデルよりも、このHaydn jubileeをお薦めします。個性的な唯一無二の素晴らしいスピーカーです。オーストリア製で仕上げもとても綺麗で、ものとしても美しいです。上流のアンプやプレーヤーはYAMAHAがよく合うと思います、組み合わせると、とても自然に音楽を奏でます。

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Haydn jubilee
QUAD S-2

 現在は中華系資本になりましたが、イギリスの名門、クオードから、S-2というモデルをご紹介します。S-212.5センチの、ケブラーコーンのウーファーが低音を受け持ちます。そして、特徴的なのが、ツイーターです。こちらは、一般的なドームタイプ(ピンポン玉を半分に割ったような形)ではなく、平面型のリボンツイーターが採用されています。このツイーターがよくて、非常に繊細で、美しい高音を聴くことができます。クラシックは陰影がよく表現され、独特の雰囲気がありますが、とてもイギリス的な感じがします。ポップス系も上々で、ヴォーカルの息遣いがきちんと聴こえます。こちらは中国製ですが、仕上げも美しく、ヨーロッパ製のスピーカーに何らそん色はありません。上流はパイオニアが相性がいいと思います。クラシックだけでなく、ポップス系も聴く方にも、パイオニアはよい選択肢だと思います。

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S-2
DALI MENUET

 デンマークのスピーカー専業メーカー、ダリの小型スピーカー。大ヒットシリーズの4代目のモデルです。デンマーク製の非常に美しい仕上げのスピーカーで、ウーファーの口径は11.5センチです。メーカーは鳴らしやすさにも配慮していて、実際、良い音で鳴らしやすいから、これほどヒットしているのだと思います。実は、メヌエットは初代から改良を重ねるにつれて、個性が薄れてきて、万能型になってきた感があります。ロイヤル・メヌエット2で聴いた女性ボーカルはとてもよかった記憶があります。得手不得手のある、ある意味、とんがったスピーカーでした。ですが、現行のモデルでも、その音質自体は高水準で、どんな音楽でもそれなりにこなせる器用さもあります。コストパフォーマンスは本当に高く、趣味のオーディオの入り口として最適な、本格的で長く使えるスピーカーです。いままでオーディオに興味がなかった人も、聴くと、きっとその違いがすぐに分かるようなスピーカーです。上流はオンキョーをお薦めします。スピーカー自体の音質が柔らかいので、少し引き締める意味でも、オンキョーやパイオニアが適していると、私の耳には聴こえます。

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MENTOR MENUET(3代目のメヌエット

番外編 低価格オーディオアンプ、CDプレーヤーのお薦め

 上記に3つ、お薦めのスピーカーを挙げてきましたが、それなりにお値段がするものです。一番低価格のMENUETでも、実売価格で1ペア、約9万円ほどでしょうか(一番高価なHaydn Jubilee17万円前後です)そこにアンプやプレーヤーをというと、かなり大きな出費になります。そこで、ここでは、比較的安価で、音が良いアンプとプレーヤーをご紹介したいと思います。導入時点では一点豪華主義でスピーカーに重点をおいておいて、あとからじっくりと時間をかけて、アンプなど上流を検討していくというのも面白いものです。

オーディオアンプ:TEAC A-R630MKⅡ

オーディオアンプではTEACA-R630MKⅡをお薦めします。プラスチック感あふれる外観ですが、重量もあり、とても音の良いアンプです。DACなどのデジタル入力系は一切搭載しておらず、ひたすらアナログで音だけを追求している、不器用なアンプです。この価格でフォノイコライザーを内蔵しており、レコードプレーヤーさえ用意すれば、レコードもかけることができます。TEACは以前、デンマークのプライマーと同じ工場でアンプを製造していたことがありました。つまみなど外観もその時の流れをくんでいて、音もなんとなくそのころのTEACの音を彷彿とさせます。同社の他の現行製品とは異なる方向性の音です。低音がよく出て、陰影に富んだ音質で、特にQUAD S-2との相性が良かったです。実売価格は2万円前後で、TEACの良心ともいえるアンプです。

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A-R630MKⅡ
CDプレーヤー:ONKYO C-7030

CDプレーヤーではONKYOC-7030をお勧めします。とても立派な低価格CD専用プレーヤーです。実売23万円くらいながら、ずっと高価なシステムに組み入れても十分、役割を果たすのではないかと思います。解像度も高く、低音もよく出て、バーゲンプライスというのはこういう機器のことを言うのではないかと思います。ONKYOはまた、低価格のアンプもよくて、DALI MENUETには、ONKYOのアンプもよいかもしれません。

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C-7030

まとめ

 お薦めスピーカー3選、いかがだったでしょうか?オーディオ機器は高価だから良い、というものではありません。安ければよいというものでもありません。価格にかかわらず、良いものはよいのです。そして、そこには明らかに違いがあり、それがわかるラインがあります。聴いたときに、思わずはっとなれるか否かの境界線です。上記の3つのスピーカーは、どれもとてもクオリティーが高く、そのラインを超えたものです。そして、コストパフォーマンスもとても高く満足度の高いスピーカーでもあるでしょう。贅沢なものに思われるかもしれませんが、これらのスピーカーで、その息遣いまでも聴こえるような、とても良い音で音楽をきけるとしたら、決して高い買い物ではないと思われるのではないでしょうか。スピーカーはオーディオ機器のなかで、最も楽器に近い存在です。楽器を見るような目で、スピーカーを選んでみませんか?お気に入りのスピーカーは、必ずや日々の生活を彩り豊かなものにしてくれるはずです。この記事が、音楽を少しでも良い音で聴きたいと思ってらっしゃる方々の一助となれたら嬉しいです。

 

※この記事は、ブログ運営者の主観に基づくものであることをご了承ください。紹介いたしました製品の情報は2020.6.6現在のものです。

 

私の好きなクラシック音楽 その14

ロベルト・シューマン ヴァイオリン協奏曲ニ短調1853

ロマン派の中のロマン派 Rシューマン

 ロベルト・シューマンRobert Schumann(1810-1856)という名を聞いたとき、どのようなイメージをもたれるでしょうか?ピアノの名曲である『子供の情景』から『トロイメライ』(「夢みがち」というような意味)などの美しいメロディーを思い出される方がいらっしゃるのではないでしょうか?

 シューマンはその美しく抒情的なメロディーとともに、その文学性の高さから、最もロマン派的な作曲家だと言われています。シューマンは『女の愛と生涯』『詩人の恋』『リーダークライス』など、歌曲にも素晴らしい傑作を残していますが、単純に、そのことが彼の文学性の高さを表しているわけではありません。シューマンの歌曲は「歌の年」といわれる1840年を中心に集中的に作曲されていて、それまではむしろ歌曲自体に否定的であったことがわかっています。

 では、シューマンの文学性とはいったいどのようなものなのでしょうか?シューマンは、歌詞などの言葉によってだけではなく、むしろ内容において、純粋に音楽に文学を持ち込んだのです。『子供の情景』は13曲からなるピアノ小曲集ですが、その一つ一つに副題がついています。『トロイメライ』もそうですし、私が好きな最終曲は『詩人は語る』という副題です。私たちは『詩人は語る』を聴くとき、その副題と音楽の内容が結びつき、響きあっているのを感じます。ピアノの独奏に、旅路の吟遊詩人が詩を吟じる、その語り口を聴いているような、もしくは道行く足どりを見ているような、そんな雰囲気の、世界の中に誘われるのです。それがシューマンのもつ文学性です。

 シューマンは、とても変わった人物であり、また、いろいろなエピソードに彩られた、波乱万丈の人生を送った人でした。若いころはとても裕福で、各地に遊学し、遊び人といってもいいくらいでしたが、そのことは、彼の芸術性と教養を深め、ある意味では彼の音楽を大成させた、不可欠な要素の一つだったともいえるでしょう。妻クララ・シューマンとの関係や、弟子のブラームスとの出会い、もしくは持病である精神疾患などにまつわるたくさんのエピソードがあります。

 なかでも衝撃的なのは、彼の精神疾患についての逸話です。シューマンには「天使の声」が聴こえていたそうです。この声にインスピレーションを受けて、ピアノ四重奏曲のアンダンテ・カンタービレなどの、少し普通では考えられないほどの美しく魅力的な音楽が生まれました。

 精神疾患の原因については諸説ありますが、今では「梅毒による」という考え方が一般的なようです。ただ、この説にも説明不十分な点が多く、決定打には欠けると私は考えています。

 ブラームスと出会った幸せな年の翌年、シューマンはこの精神疾患が原因で、ライン川に身を投げるという、自殺未遂事件をおこします。幸い、一命をとりとめたのですが、自ら精神病院への入院を希望した彼は、その2年後には46年の短い生涯を閉じました。

 その破天荒な生き様も、彼のイメージにロマン派的な色をそえているのかもしれません。

ヴァイオリン協奏曲ニ短調1853

 シューマンは、その生涯に代表的なものでは3つの協奏曲を残しています。ピアノ協奏曲、チェロ協奏曲、そして今回とりあげるヴァイオリン協奏曲です。それぞれとても素晴らしい曲ですが、残念ながら、その中でもっとも演奏される機会が少ないのがヴァイオリン協奏曲です。ですが、私は、3曲の中でこの曲が内容的にも最も充実したものであると考えています。

 ヴァイオリン協奏曲は、シューマンが自殺未遂をする、前年に書かれた作品です。彼は自殺未遂の前後、「幽霊の主題による変奏曲」(Geistervariationen)を作曲していました。その主題は、シューベルトメンデルスゾーンの亡霊によって示されたのだとシューマンは語ったといいます。その主題に、ヴァイオリン協奏曲の第二楽章の主題が酷似しており、そのためか、妻クララはシューマンのヴァイオリン協奏曲の改訂をヴァイオリニストのヨアヒムに依頼します。しかし、それは叶わず、結局、クララとヨアヒムの判断で、お蔵入りとなったこの曲は、演奏されることなく、20世紀を迎えることになるのです。初演は作曲から実に80年以上たった1937年のことでした。

 繰り返しが多いことなどが指摘されたりもして、不遇なこの曲ですが、実際に聴いてみると、すぐに素晴らしい曲であることがわかると思います。とてもシューマン的な、ロマンテックな曲です。第一楽章、冒頭からの動機はドラマチックで心躍ります。また、とりわけ第二楽章の幽霊の主題はとても、とても美しく、シューマンならではのものであり、言葉では伝えきれないほどのものです。全曲にわたる繰り返しの多さも、重ねて回数を聴いてくると、意味のあるものに聞こえて、決して欠点には思えません。そもそも、繰り返しの多さは、シューマンの曲、全般にわたって言えることです。シューマンには、彼しか作曲できないような、神がかった曲がありますが、まさにこの曲がそうであると思われます。

お勧めの演奏

①ユーディ・メニューインYehudi Menuhin (Vn)ジョン・バルビローリ指揮 ニューヨーク・フィルハーモニック 1938 NAXOS 

 1938年の歴史的演奏。初演権をもっていたメニューイン1916-1999)による演奏。シューマンのヴァイオリン・ソナタも発見したメニューインが、ヨアヒムのアルヒーフに保存されていたシューマンのヴァイオリン協奏曲をシューマンの直筆譜をもとに、忠実に演奏したものです。とても22歳の青年が弾いたとは思えない成熟した演奏ですが、若者ならでは瑞々しさも持っています。それでいて、色気さえも感じさせます。もっと若いころ、少年時代の演奏(エルガーなど)も素晴らしく、神童というのはまさにメニューインのことを言うのでしょう。若きバルビローリは、後年ほどの緩さがなく、私はこのころが一番好みです。とても素晴らしいオーケストラが支えています。

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メニューイン バルビローリ盤

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メニューイン バルビローリ盤

 ②ゲオルク・クーレンカンプGeorg Kulenkampff (Vn) ハンス・シュミット・イッセルシュテット指揮 ベルリンフィルハーモニー管弦楽団 1937 STRINGS

 1937年、ナチス政権下のドイツにおける巨匠クーレンカンプ(1898-1948)による演奏。とても抒情的で、ドイツ・ロマン派を思わせる演奏です。こちらはクーレンカンプやヒンデミットらによる改訂版でした。メニューインとは全く違う演奏ですが、また違った方向性からこの曲を極めた演奏だと思います。とてもロマンチックですが、どろどろしておらず、むしろ清潔感さえ感じさせます。イッセルシュテット指揮のベルリンフィルも、柔軟さを感じさせる名演です。

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クーレンカンプ イッセルシュテット

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クーレンカンプ イッセルシュテット

③ズザーネ・ラウテンバッヒャーSusanne Lautenbacher(Vn) ピエール・カオ指揮 ルクセンブルク放送管弦楽団 1974 TIM

 1974年、こちらはステレオ時代の演奏。ドイツの名女流、ラウテンバッヒャー(1932-)による演奏。メニューインとも違い、同じドイツでもクレーンカンプのような、ロマンの香りが前面に出た演奏ではなく、シューマン的な、野の花を思わせるような、しみじみとした演奏です。とても落ち着いており、丁寧で、私はこの演奏が、実は最もシューマン的なのではないかと思います。内省的なロマンの香りがするのです。メニューインと同じ原典版による演奏です。ルクセンブルク放送管弦楽団も、とても良く、ラウテンバッヒャーのヴァイオリンとよく合っていると思います。

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ラウテンバッヒャー カオ盤

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ラウテンバッヒャー カオ盤

まとめ

 とても素敵な曲や、演奏であるにもかかわらず、知名度があまり高くないものがあります。その原因は、たいていは先入観によるものです。このシューマンのヴァイオリン協奏曲は、その典型的な例だと思います。シューマンの自殺未遂に関係する曲であったことや、クララやヨアヒム、ブラームスらの判断によるお蔵入りの問題、ナチスドイツの時代の再発見など、負のイメージが人々の頭にあったことがその大きな原因でしょう。ですが、先入見なく、一度、聴いてみると、忘れられないような素敵な曲であることがわかるのです。いえ、むしろなぜ、これほどマイナーなのか、わからないくらいです。

 シューマンは、多作な作曲家ですから、名作もとても多く、その全てが公正に判断されることは不可能に近いかもしれません。ですが、このヴァイオリン協奏曲の、とりわけ第二楽章の、優しく、深く美しいメロディーは、私たちに、シューマンの音楽の本質を、誤解を恐れずに言えば、ロマン派音楽の神髄をも感じさせてくれる、最上の旋律だと思われるのです。

私の好きなクラシック音楽 その13

リヒャルト・シュトラウスメタモルフォーゼン

モーツァルト以来の大天才 R・シュトラウス

 リヒャルト・シュトラウスRichard Strauss1864-1949)といえば、後期ロマン派を代表する作曲家の一人です。映画『2001年宇宙の旅』の冒頭で用いられた交響詩ツァラトゥストラはかく語りき』は多くの方がご存知なのではないでしょうか。歌劇をはじめ、歌曲、交響曲交響詩室内楽曲など、ほぼ全ての分野で傑作を残しました。その才能はモーツァルトに匹敵するといっても過言ではありません。モーツァルトと異なるのは、Rシュトラウス85年という、長寿を全うし、生涯にわたり、傑作といわれる作品をつくり続けたところです。そして、指揮者、批評家としても活躍し、グスタフ・マーラーは、Rシュトラウスの存在がなければ自分はここまでの地位を築けなかっただろうと発言しています。多才であったという意味でもルネサンスの偉大な画家たちにも比肩する、きわめて稀な、大天才だったといえます。

 Rシュトラウスモーツァルトベートーヴェンをはじめ、ブラームスワーグナーを経る、ドイツ音楽史の本流ともいえる流れのなかに位置付けられる作曲家であり、また、それらの総決算的な、ある意味、ドイツ音楽の集大成、一つの頂点といえる作曲家だと私は思っています。

 彼の作品は多種多様にとみ、ヴァイオリン・ソナタや歌曲などにはブラームスの、歌劇における代表作『薔薇の騎士』ではモーツァルトの影響が色濃くみられます。もちろん、その壮大な作風はワーグナーの影響が大きいのですが、私はRシュトラウスブラームスの強い影響下にあったのではないかと考えています。それは、とりわけ、彼の室内楽曲や歌曲のもつ、ある種の素朴さにあらわれています。

 

 Rシュトラウスの生きた時代は激動の時代でした。とりわけ、晩年にはナチス支配下のドイツで敗戦を経験します。彼は、ドイツ帝国音楽院総裁の地位にあった人物です。ナチスとの関係を無かったことにすることはできないでしょう。生きていくために必要であったのか、当時の社会的なポジションがそうあることを強制したのか、時代の大きな流れのなかで、彼はナチスに協力し、その下で音楽活動を営みました。当時のドイツ社会の中で、ナチスに抵抗すること、または無関係を保つことは、私たちが今、想像するよりもずっと難しいことでした。

 そんな中で、彼の音楽家としての矜持をよく表しているエピソードがあります。ナチスは徹底的な反国際ユダヤ主義を掲げ、その影響は音楽界にも及びます。ドイツ在住の一部のユダヤ人芸術家が公に保護された例外はありましたが、ユダヤ人音楽家たちの多くは弾圧をうけます。それは、もう過去の人となった音楽家に対しても行われました。ナチスユダヤ人であったメンデルスゾーンの作品の不当な改訂(『真夏の世の夢』を書き直すこと)をRシュトラウスに命じたのです。これをRシュトラウスは断固拒否し、帝国音楽院総裁の地位を退きます。彼にとって譲れない最後のものは何だったのか、それを知らしめる出来事でした。

死を予感していた?『四つの最後の歌』

 Rシュトラウスがいかに驚愕すべき人物であったかということは『最後の四つの詩』を人生の最後に作曲したということからも分かります。1曲目から3曲目はヘッセの、最後の1曲はアイヒェンドルフの詩に曲をつけたものです。最終曲『夕映えの中で』は、「…これは死だろうか」で結ばれます。

 果たしてRシュトラウスは自分の死を予感していたのでしょうか?分かっていたのでしょうか?このような素晴らしい曲を、人生の最後に作曲したというだけでも凄いですが、この結びの言葉には驚嘆するほかありません。

メタモルフォーゼン23の独奏弦楽器のための習作)』

 作曲されたのは1945年、Rシュトラウスの晩年の作品であり、ドイツが第二次世界大戦に敗れた年の作品でもあります。終戦間際に完成しました。この曲はとても興味深い作品です。メタモルフォーゼMetamorphoseというのはドイツ語で「変化・変形・変容」を意味します。その複数形がメタモルフォーゼンMetamorphosenです。

 弦楽器、ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバスが、11パート、23パートに分かれています。つまり、23台の弦楽器が、それぞれ独立した別のパートを演奏します。それぞれが独立した曲になっていて、主題(ベートーヴェンの『英雄』交響曲による主題やワーグナーの『トリスタンとイゾルデ』の主題など)を繰り返すのですが、それを少しずつ変化(「変容」)させていくわけです。それが23パート集まると、全体で一つの曲となります。 全体で複雑なハーモニーをつくったり、ユニゾンのようになったりと、25分程度の曲ですが、ほとんど繰り返しのようであるにもかかわらず、変化に富み、その美しさに圧倒されます。習作という副題がついているように、実験的な作品ですが、R・シュトラウスの特徴的な響きが感じられる、最高傑作の一つなのではないでしょうか。

お勧めの演奏

①クレメン・スクラウスClemens Krauss指揮 バンベルグ交響楽団 盤 1953 preiser records

 Rシュトラウスの信頼の厚かったクレメンス・クラウス(1893-1954)の演奏。クラウスはRシュトラウスの歌劇『カプリッチョ』の台本を担当したこと、また、今や伝統になっているウィーンフィルニューイヤーコンサートを始めたことでも知られています。Rシュトラウスの演奏史でも外すことのできないクラウスですが、流石に王道の、はったりのない、自然な演奏です。他の演奏に比べあっさりしすぎているようにも感じられるかもしれませんが、小細工一切なしの淡々とした演奏は、かえってその曲の偉大さを感じさせるものです。CDでは途中で音量ががくんと落ちてしまいますが、音量をあげれば大丈夫です。

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クラウス バンベルク響 盤

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クラウス バンベルク響 盤


 ②ルドルフ・ケンペRudolf Kempe 指揮 ミュンヘンフィルハーモニー管弦楽団 盤 1968 SONY CLASSICAL

  ドイツを代表する巨匠、ルドルフ・ケンペ1910-1976)とミュンヘンフィルとの演奏。彫りが深く、エネルギッシュな印象の演奏。独特の個性の感じられる演奏ですが、決して不自然な感じはしません。カップリングのシューベルト『ザ・グレート』がまた素晴らしいので、入手して損はないと思います。ケンペは他に、シュターツカペレ・ドレスデンとの演奏もあります。

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ケンペ ミュンヘンフィル 盤

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ケンペ ミュンヘンフィル 盤


オトマール・スウィトナーOtmar Suitner 指揮 シュターツカペレ・ドレスデン 盤 1966 edel CLASSICS

 日本にもなじみの深いドイツの巨匠、オトマール・スウィトナー(1922-2010)がシュターツカペレ・ドレスデンを振った演奏。深々とした印象の、素晴らしい演奏の一つ。硬派ですが、自然で、渋く、木の香りのする演奏で、さすがクラウスの弟子というところです。スウィトナー東西ドイツの両方に家族(本妻と愛人の家族)を持ち、そのどちらにも睦まじく看取られたというエピソードがありますが、きっとその人物自体もとても魅力的だったのでしょう。

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スウィトナー シュターツカペレ・ドレスデン 盤

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スウィトナー シュターツカペレ・ドレスデン 盤

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スウィトナー シュターツカペレ・ドレスデン 盤

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スウィトナー シュターツカペレ・ドレスデン 盤


 まとめ

 今回はRシュトラウスの『メタモルフォーゼン』をとりあげました。傑作の多い作曲家なので、とても素敵な、大好きな曲が多く、どの曲をとりあげるか迷ったほどです。交響的幻想曲『イタリアから』、ヴァイオリン協奏曲、ホルン協奏曲、歌劇『影無き女』、そして『四つの最後の歌』など、Rシュトラウスは本当に魅力的な素晴らしい曲を、生涯にわたりいろいろな分野で作曲しています。ルネサンスベネチア派の画家ティチアーノに匹敵するのではないかと誰かが言っていましたが、それほどのインパクトのある作曲家です。とりわけモーツァルトを愛したRシュトラウスですが、彼の作品にはモーツァルトベートーヴェンシューベルトシューマンブラームスワーグナーなど、ドイツの本流の作曲家たちのエッセンスがつまっています。それらが、Rシュトラウスの個性によってまとめられ、高められているのです。

 ドイツ文学の世界では、ドイツ文学史において、フォーゲルヴァイデなど中世の時代の文学、ゲーテの時代の文学、そしてトーマス・マンなどの近現代の時代の文学と、3つの頂点があったとされています。それに倣うと、ドイツ音楽における、モーツアルトに次ぐ、二つ目の頂点がRシュトラウスであったと言えるのではないかと私は考えています。変わった人格の持ち主だったようですし、ナチス・ドイツとの関係もいろいろな観点から論じられています。それらを美化する必要はないと私は思います。ただ、その音楽を味わい、公正に判断すると、Rシュトラウスの音楽が間違いなく素晴らしいものであることがわかると思います。『メタモルフォーゼン』は、そんな彼の代表作のひとつなのです。 

 

私の好きなクラシック音楽 その12

エフゲニー・スヴェトラーノフ 『詩曲』

3つの顔を持つ音楽家 スヴェトラーノフ

 エフゲニー・スヴェトラーノフYevgeny Fyodorovich Svetlanov1928-2002)はロシア(旧ソビエト連邦)を代表する指揮者の一人です。赤い扇風機を常に譜面台に取り付けて演奏するそのスタイルから、彼がいかに母国、ソビエトを愛し、忠誠を誓っていたかをうかがいしることができます。旧ソビエト連邦共和国は、もちろん、共産主義の国家であり、そのシンボルカラーは赤色です。彼の他にも、たとえばピアニストのヤコフ・フリエールは真っ赤なスタインウェイを愛用していたりなど、ソビエト体制下で音楽家は様々なかたちでその思想を表明、表現していました。

 このように体制派とも言える立場にいたスヴェトラーノフですが、ソビエトの音楽、ロシアの周辺諸国の音楽、または永世中立国であるスウェーデンの音楽などを世界に周知するという仕事において、極めて重要な役割を果たしました。彼は非常に多くの作曲家の、数々の隠れた名曲を演奏、録音していったのです。彼は一流の指揮者として知られています。

 

 しかし、彼の音楽家としての顔は、指揮者としてのものだけではありませんでした。彼は自分を、第一に作曲家として、第二にピアニストとして位置付けていました。指揮者としては三番目に位置付けていたのです。今回、とりあげる『詩曲』は、彼が作曲家としていかに優れていたかを、十分に物語ってくれる名曲です。他にも『赤いゲルターローズ』やピアノ協奏曲などの名曲を作曲しています。

 

 スヴェトラーノフはまた、ピアニストとしても優れた演奏を残してくれており、CDなどの音源で聴くことができます。ロシア四大教師の一人、ゲンリヒ・ネイガウスの門下であり、ネイガウスの息子で素晴らしいピアニスト、スタニスラフ・ネイガウスと親しかったといいます。ラフマニノフなどに優れた演奏を残しました。それらを聴くと、指揮者や作曲家が、ただ「ピアノも弾けます」というのとは全く異なる次元の演奏であることがわかります。ロシアピアニズムの系譜に連なる、第一級のピアニストだったのです。

 

 スヴェトラーノフという音楽家をとらえるとき、第一に指揮者であったとしてでなく、第一に作曲家であったとしてとらえた方が、その全貌を正確に把握できるのではないかと私は考えています。まず、彼の自作の曲は、とてもロマンテックです。このことは、彼のピアノ演奏、そして指揮にも表れています。 そして、次にあげられるのは、彼の演奏が基本的には非常にインテンポなものであることです。爆音であるとか、激しいとか、そういうことがクローズアップされがちですが、彼の音楽の根底には、大きく揺らぐことのない、とうとうたるインテンポの律動が一貫しています。スヴェトラーノフは本当に膨大な量の作品を演奏してきましたが、私の聴く限り、いい加減な演奏は一つもなく、全てが一球入魂のものです。非常に考えられたテンポをとっています。これは、スヴェトラーノフが、作曲家として、いかにテンポを大事にしていたかということを裏付けることでもあります。作曲家としてのこだわりであり、曲を作った作曲家への敬意の表れでもあるのでしょう。

 そして、一方、自分をロシアの作曲家の系譜に位置付けるということは、大胆な行為であり、また、とても大きな使命を背負うことでもあります。バラキレフやリムスキー=コルサコフ、チャイコフスキーなどの系譜に連なることになるわけですから。自らを第一に作曲家であるとすることは、スヴェトラーノフの、全てを音楽に捧げるという決意の表れだったのではないでしょうか。いずれにせよ、彼が作曲家、ピアニスト、指揮者という3つの側面、その全てにおいて一流であった、稀有な音楽家だったことは間違いありません。

『詩曲』

 『ヴァイオリンとオーケストラのための詩曲』は、旧ソ連の誇る大ヴァイオリニスト、ダヴィッド・オイストラフの追悼のために作曲されました。

 『詩曲』といえば、まず思いつくのはショーソンの『詩曲』だと思います。ヴァイオリン独奏とオーケストラのために書かれたものですが、一般的なヴァイオリン協奏曲と異なり、単一楽章で、交響詩的な性格も持っています。以前とりあげた、ヴォーン=ウィリアムズの『揚げ雲雀』も似たようなものです。スヴェトラーノフの『詩曲』も、規模も含めて、形式的にはショーソンのそれと似ています。

 大変、陰のある深刻ともいえる曲ですが、上述のようにとてもロマンテックです。曲の半ばのカデンツァが聴きどころです。前奏の後、すすり泣くようなヴァイオリン・ソロがはじまり、カデンツァでそれは慟哭へと変わります。そして、オーケストラもそれに続き、激しい合奏になり、その後、静かに終曲を迎えます。たった15分程度の短い曲ですし、構成も単純ですが、それだけにロマンテックなメロディーの訴える力の強さを感じます。作曲家としてのスヴェトラーノフを知るのに、最適な作品であると私は思います。

お勧めの演奏

①イーゴリ・オイストラフ(ヴァイオリン)エフゲニー・スヴェトラーノフYevgeny Fyodorovich Svetlanov指揮  ソビエト国立アカデミー交響楽団(ロシア国立交響楽団) 盤 1978 AUDIOPHILE CLASSICS

 スヴェトラーノフ(1928-2002)自身が指揮をして、ソリストダヴィッド・オイストラフの息子、イーゴリ・オイストラフ(1931-)を迎えた、名盤。ダヴィッド・オイストラフはロシアのヴァイオリニストとしては圧倒的な存在感を誇ったヴァイオリニストですが、それに対して、息子を支持するイーゴリ派というファンが存在するほどのヴァイオリニストです。父が演奏しなかったレパートリーのなかにも得意なものがあり、エルガーのヴァイオリン協奏曲など素晴らしいです。また、奏法もまったく異なり、最終的にフランコ・ベルギー派の頂点にまで上り詰めました。そんなイーゴリのヴァイオリンは、その美しい音色と、正確な音程、均整の取れたスタイルで、かつ十分な激しさをもって、カデンツァを歌い上げています。ロマンテックなスヴェトラーノフの指揮と相まって、メリハリの利いた、しかし極めて自然な演奏に仕上がっています。何度も繰り返して聴きたくなるような、そんな演奏のひとつです。

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スヴェトラーノフ USSRSAO 盤

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スヴェトラーノフ USSRSAO 盤

まとめ

 ロシアという国は、とてもミステリアスな国でもあります。社会主義を試した実験場的な一面を持つだけでなく、その体制下で様々な文化的な試みがなされました。政治的な上からの弾圧がクローズアップされる一方、非常に優れた教育制度が開発され試されたことも事実です。それは決して、国家を盲目的に信奉するだけの、画一的なロシア人を生産するという目的でなされたものではなく、また結果もしかりでした。とても多くの個性的な音楽家が生まれたこと、それは作曲、演奏、両面でですが、近現代において、その代表格がロシアにも多いということがその表れです。政治的圧力との緊張関係の中から生まれた場合もありますが、そうでないことも多かったのです。

 ロシアの人々の心には、今でも常に、プーシキンチャイコフスキーが大きな位置を占めています。ロシアはまさに、文学と音楽の国なのです。スヴェトラーノフはそんな国の、一人のロシア人であり本物の音楽家でした。もし仮に、体制派であったという一点で、敬遠してらっしゃる方がいるとしたらとてももったいないことです。旧ソ連体制下の音楽にも、あのロシア文学と同じような広がりをもった、素晴らしい世界があるのですから。スヴェトラーノフの『詩曲』を聴いていると、彼自身がどのような思想をもっていたかなどは些細なことで、それよりも何に対しても真摯に、偽りなく、まっすぐに取り組むことの素晴らしさを感じます。音楽に対してはもちろんのことす。スヴェトラーノフの『詩曲』には、シニカルな要素は皆無です。曲自体にも、その演奏にも、真面目で誠実な人柄が、音楽家スヴェトラーノフという人格がにじみでているように感じるのです。

 

私とオーディオ その3

家族でオーディオを楽しむこと

 私たち家族は無類の音楽好きを自負しています。家族が集まる夕食には必ず音楽をかけますし、音楽談議に花が咲くこともしばしばです。実はこのブログの音楽の記事は、私一人だけの意見ではなく、この音楽談議からもヒントを得て、その考えを集約しているところが多々あります。

 そんな私たちは、音楽の好み、作曲家や演奏家、そして演奏そのものの趣味が合うことが多いです。ですが、やはりそれぞれにこだわりがあり、贔屓の音楽があります。それぞれの好みの音楽をみんなで聴くことでお互いの見分をひろげているようなところがあります。

 そして私たちはまた、オーディオがとても好きな家族でもあります。下の写真をご覧ください。

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音楽室のオーディオ

 私たちが音楽室と呼んでいる部屋のオーディオシステムです。三組のスピーカーがありますが、それぞれお気に入りが異なります。

 一番内側のDALI MENTOR MENUETは母のお気に入りです。小型スピーカーとは思えない鳴りっぷりで、ルチア・ポップのアリアなどを聴くと最高です。女性ボーカルの良さが評判ですが、その通りだと思います。極めて上質な音のスピーカーです。

 真ん中のBW CDM1は弟のお気に入りです。これはメインシステムのスターリングとほぼ同時期に購入したものですが、100パーセント、クラシックしか聴かない弟が、20年以上もクラシックのみをかけ続けただけあり、クラシックに最適のスピーカーに仕上がっています。豊かな低音と、美しい高音が魅力的なスピーカーで、フランソワの硬質なピアノのタッチを正確に表現してくれます。それでいて雰囲気もたっぷりのスピーカーです。

 一番外側のJBL 4307は私のお気に入りです。私は主にクラシックを聴きますが、ごくたまに他のジャンル、尾崎豊スピッツなどを好んで聴いています。時にはジャズも少し聴きます。ですから、JBLのなかでは最もいろいろなジャンルをこなせるこのスピーカーを愛用しているのです。もちろん、クラシックもとても艶やかな音で鳴らしてくれます。山水のアンプとの相性も良いのでしょう。尾崎豊など男性ボーカルとの相性は抜群だと思いますし、中型ブックシェルフなので、余裕をもってたっぷり聴かせてくれるスピーカーです。

 上記3つのスピーカーは所謂、名機で、大変コストパフォーマンスにも優れたものです。どれも本格的に音楽に向き合うことを可能にしてくれる優れたスピーカーたちだと、大事にしています。

 

 このように、聴くジャンルや、演奏によってオーディオを選んで聴くのも一つの楽しみになっています。経験上、すべてのジャンルをこなすことのできるオーディオシステムを組むのは難しいと感じています。もちろん、それなりに鳴らすことは可能ですし、どこで満足するかの問題なのですが。ですが、ある特定のジャンル、目的のためのオーディオシステムを追求して、感動を得ることが私たちのオーディオ道楽の醍醐味でもあるのです。皆さんも、自分の好みの音楽に特化した、自分だけのオーディオシステムを組んでみませんか?毎日の音楽体験がきっと、さらに感動的なものになると思います。